Ich geh es nur noch einmal durch

Im Kino der Hackeschen Höfe läuft "Der Kuss der Tosca". Der Film wurde gegen Mitte der 80er Jahre in der Casa Verdi gedreht, dem Altenheim für Musiker, das der alte Verdi noch in Mailand hatte bauen lassen; die betagten Bewohner des Heims, Musiker vielfach großen Namens, sind seine Helden.Insofern, was wir schön nennen, die Bewegung des Erinnerns und der Sympathie bedeutet, ist der Film wunderschön. Er zeigt aber auch die Geschichtlichkeit jener Kultur, die wir ganz natürlich mit dem Schönen in Verbindung bringen: Verdi hat den Nachgeborenen etwas hinterlassen, von dem sie zehren. Umgekehrt ist diese Kultur mit ihren Trägern auch identisch, und mit den Menschen wird sie alt. Im Film sieht man die große Sopranistin Sara Scuderi, bald achtzigjährig, mit einem Notenblatt. "Lernst du das?", wird sie von einer Freundin gefragt. "Bah", sagt die Scuderi, "ich kenn das seit 100 Jahren. Ich geh es nur noch einmal durch".Das erste Wochenende der Berliner Musik-Biennale hat einen anderen Eindruck befestigt: Es gibt Musik, nach der Mitte des vorigen Jahrhunderts, die mag geschichtlich sein, sie ist es aber nicht in dem Sinn, dass sie dem Altern unterworfen wäre. Die Musik des Schönen, das zeigt "Der Kuss der Tosca", richtet ihren Freunden Rollen ein, denen sie sich heiter anvertrauen. Ein ähnliches Grundvertrauen in die Mensch-Ähnlichkeit der Musik hatte Theodor W. Adorno, der seine kritischen Bemerkungen zum "Altern der Neuen Musik" auf die Annahme baute, Musik, wie auch immer sie klinge, sei letztlich doch wie eine Sprache.Werke wie die zweite Klaviersonate von Pierre Boulez aus dem Jahr 1955, am Freitag nacht im Konzerthaus von Ian Pace gespielt, oder Jean Barraqués "sonate pour piano" (1952), Samstag nacht von Herbert Henck vorgetragen, haben außer ihren Bewegungsgesten gar nichts, was unseren auf uns selbst bezogenen Deutungsmustern zugänglich wäre. Boulez hat mehr als einmal erklärt, er habe damals in seinem Komponieren "jede Spur des Überkommenen" tilgen wollen. Wer neue Musik öfter hört, merkt es solchen Werken zwar an, dass sie vor fünfzig Jahren komponiert wurden, und es mag sich auch hier ein nostalgisches Gefühl einstellen, mit Blick auf die persönliche Geschichte der Musikerfahrung. Aber auf keinen Fall stellt sich ein Eindruck her wie: "So hat man das damals also gesagt". Bis damals hat man die Musik wirklich sprachähnlich begreifen können, mit fortschreitenden Melodie-Linien, die das Sprechen selbst vorstellten, und Merkmalen wie Tonhöhe, Rhythmik, Farbe, Lautstärke, die einen Ausdruck spezifizierten. In Werken wie jenen Sonaten Boulez oder Barraqués aber gibt es keine Hierarchie der Merkmale mehr: Alle Teilmomente des Musikalischen werden gleichermaßen formalen Verfahren unterzogen. Wer einfach nur aufmerksam zuhört, ohne technische Analyse, dem werden wohl faszinierende Hörerfahrungen geboten. Es zeichnen sich wohl auch Gestalten ab im Geist. Aber oft genug ist auch der Zweifel da, ob man nicht wieder nur Kanäle auf dem Mars entdecke.Das also ist wirklich autonome Musik, Musik auch wie Francisco Guerreros "Sahara" für großes Orchester (1991), und Gérard Griseys "Transitoires": Für beide gilt Griseys Ideal eines "synthetischen Stils", in dem die Merkmalklassen der Musik "zur Konstruktion eines einzigen Klangs beitragen"; eines Klang-Ereignisses von großer Anschaulichkeit, wie man nach der Aufführung durch das BSO unter Johannes Kalitzke sagen kann, am Freitag im Konzerthaus.Interessant, wie sehr das gewählte Instrument noch den Charakter bestimmt. Von Pascal Dusapin wurden einige Etüden, die jüngste als Uraufführung, vorgestellt, da wird von der uralten Qualität des Klavier als eines strengen Instruments zur Kombination von Tönen Gebrauch gemacht. Umgekehrt ist der luxurierende Klang des Orchesters geeignet, Fragen nach der Konstruktion fast zu überspielen; Jean-Pierre Guézecs "Suite pour Mondrian" aus dem Jahr 1962, obwohl angeblich seriell komponiert, wirkte angenehm serenadenhaft. Georg Katzers uraufgeführtes Konzert für Saxophon und Orchester (Solist war Michael Riessler) wollte dem nach Auskunft des Komponisten noch immer interessanten Verhältnis von Individuum und Gruppe nachgehen, ähnlich wie Vinko Globokars "Kolo" für Chor, Posaune und Elektronik (1988). Viel stärker aber machte sich das herkömmlich Menschliche durch das Medium der Stimme selbst bemerkbar, in Messiaens "Cinq Recants" für zwölf Stimmen und dann in Klaus Hubers vom Rundfunkchor unter seinem scheidenden Leiter Robin Gritton uraufgeführten "Auf der Welt sein". Das Werk wird Teil einer Oper. Interessanterweise erhalten hier Formen stimmlichen Ausdrucks wieder Platz, die man aus dem Madrigal und aus konservativen Chören der Romantik kennt.Hackesche Höfe Filmtheater, täglich 15.30 Uhr, bis 14. März. Informationen zur Biennale unter Tel.: 254 890.Auf keinen Fall stellt sich ein Gefühl ein wie: "So hat man das damals also gesagt".