Bilanz des Theatertreffens: Hoffen auf gesellschaftliche Relevanz

„Macht endlich die Augen auf!“, ruft Lisa Protassowa in Maxim Gorkis Stück „Kinder der Sonne“. „Seht, dass immer mehr Menschen sich hassen.“ Aber die distinguierte Gesellschaft im Haus der Protassows – Ärzte, Künstler Wissenschaftler – lässt sich nicht gerne stören vom Unmut auf der Straße. Hier, zwischen Labor und Musikzimmer, herrscht die lichte Vernunft, mit der man zwar etwas zerstreut, aber meist gut gelaunt experimentiert, dichtet und malt und an eine bessere Zukunft glaubt. Wirklichkeit? Die liegt nicht etwa in den vielen unbezahlten Rechnungen auf Protassows Schreibtisch oder in dem von Cholera befallenen Gesindehaus nebenan, sondern im Wissen um die chemische Zusammensetzung der Dinge und im Glauben an das Gute im Menschen.

Der sture Eskapismus der Akademikergesellschaft, die Maxim Gorki beschreibt, verbindet das zaristische Russland des Jahres 1905 durchaus mit dem totalitären Kriegsstaat von heute, in dem sich gerade auch die denkende Elite in eine eigene Welt zurückzieht. Die Kluft zwischen Sein und Schein wird immer tiefer, und so kann man Mateja Kolezniks exzessiv realistische Inszenierung aus Bochum, die das Schlusswochenende des Theatertreffens einleitete, durchaus als satte Kritik an diesem Rückzug ins Wolkenkuckucksheim verstehen, sei es auf Vernunft oder auf blinden Wünschen gebaut. Und doch schlägt das bürgerliche Altbau-Ambiente, das der Bühnenbildner Raimund Orfeo Voigt in hyperrealistischer Kinogenauigkeit auf die Festspielhausbühne gebaut hat, ganz unvermeidlich eine Brücke ins Hier und Jetzt. Denn da sitzen wir nun im dunklen Zuschauerraum und folgen den Protassows bei ihren so eitlen wie intimen Beschäftigungen – der eine rennt von einem Zimmer ins andere, der nächste fotografiert, was ihm vor die Linse kommt, und alle sind kreuz und quer ineinander verliebt – aber nichts davon hat irgendeine Relevanz über den privaten Bereich hinaus.

Ein sich ewig wiederholender Zombie-Hamlet

Koleznik verstärkt das, indem ihre Figuren meist nur unverständlich murmeln und dabei mit dem Rücken zum Publikum stehen. Und in genau dieser sozialen Ignoranz ertappt man sich plötzlich allein dadurch, dass man dort sitzt und sich für den selbstverliebten Idealismus dieser Leute und eine radikal hermetische Inszenierung interessiert. Zwei Stunden geht das so, bis am Ende ein lauter Knall auch die letzten Zuschaueraugen dafür öffnet, dass im Grunde das Theatertreffen im Ganzen in so einer Protassow-Blase steckt. Wir hocken im Theater und hoffen auf gesellschaftliche Relevanz, doch hier schlägt uns eine Inszenierung genau diese selbstgefällige, rein akademische Hoffnung demonstrativ um die Ohren. Ein kalter Hieb, der zweifellos seinen Platz in der Zehner-Auswahl verdient. Vielleicht eine Minimalanforderung, aber zumindest eine spürbare, was sie, abgesehen von dem rettungslos kitschigen Festivalbeginn des Münchner TV-Theatermarathons „Das Vermächtnis“ und der Schlussvorstellung, ein im leeren Theater-Loop sich ewig wiederholender Zombie-„Hamlet“ aus Dessau, mit allen Einladungen teilt. Keinen brillanten, eher einen anhaltenden, suchenden Theaterjahrgang repräsentierten sie in diesem Jahr dennoch.

Ein bisschen fühlte man sich auch in Rieke Süßkows Wiener Inszenierung von Peter Handkes Alterstext „Zwiegespräch“ wie bei den Protassows. Zwar entfaltet Bühnenbildnerin Mirjam Stängl hier einen durch und durch künstlichen Raum, der eine albtraumhafte Altenheim-Fabrik mit eingebauter Sterbehilfe und Urnenbeisetzung darstellt. Das Protassowsche daran aber ist Handkes Text selbst. Zwei alte Herren unterhalten sich darin in Gestalt einer unendlich spracheitlen Reflexion über das „Großvatertum“, das von nichts anderem erzählt als von dem Verlust ihrer Art, auf die Welt zu blicken: kein „Kult“ mehr, kein „Momentum“! Dennoch schafft Süßkow es, den schwachen Text zu interessantem Theater zu machen, indem sie sein Innerstes findet, nämlich die Angst vor dem Tod. Das surreale Setting wird so zur Angstprojektion der Alten und ihr einseitiges Zwiegespräch zu einem generationenübergreifenden Wechselspiel vieler. Trotz der Burgtheatergranden Martin Schwab, Branko Samarovski und Hans Dieter Knebel bleibt der Abend zwar zäh, dennoch rechtfertigt die ungemein souveräne, fantasiereiche Textaufschlüsselung der Regisseurin jede Ehrung.

Kein Erbarmen aber für den trotz Mikroports akustisch kaum verständlichen „Hamlet“ am Schluss, den Philipp Preuss auf einer spektakulären, gefühlt dreißig Meter langen Tafel angerichtet hat. Ein technisches Problem oder gewollt? Jedenfalls vernichtend für alle, die ihren „Hamlet“ nicht dauernd im Kopf mit sich herumschleppen. Allerdings ist die meiste Zeit auch egal, wer spricht, denn alle Figuren haben ihre Doppel- oder Wiedergänger, die sich Hamlets Monologe in vielfachen Wiederholungen teilen, einzeln oder im Gruppensprech. Vielfach auf- und zuflatternde Vorhänge und Gazelappen, auf die Großaufnahmen projiziert werden, lassen keinen Zweifel daran, dass Schein und Sein hier ebenso aus den Fugen sind wie der Staat selbst. Mit dem armen Prinzen steckt also der ganze Hof heillos fest: nicht im „Sein“, auch nicht im „Nichtsein“, sondern im verfluchten „Oder“. Und so murmeln sie alle weiter „oder“, das Schlüsselwort unserer Zeit, verdammt oder selbstverdammt, bis zum Sankt-Nimmerleins-Tag.

Die Struktur neu überdenken

Im Ganzen sah man, bis auf die aufwühlende Performance „Der Bus nach Dachau“ von De Warme Winkel, eher Bewährtes, ein Theater, das nach den Jahren der Pandemie erst langsam wieder in Gang kommt und nach seiner Form sucht. Eine schwierigere Baustelle ist die Organisation des Theatertreffens selbst, das Struktur und inhaltliche Ausrichtung seines Rahmenprogramms „10 Treffen“ unbedingt überdenken sollte. Statt auf oberflächlich zusammengewürfelte Performances, die sich in der Masse als eher schwach erwiesen, sollte es auf Konzentration und Qualität setzen. Vielleicht initiiert es dann, statt schlechten Kontrasts, erweiternde Verbindungen.